Para comenzar las proyecciones de animación en la edición de este año, el Festival de Sitges ha escogido la única de las producciones realizada en España, Cher Ami.

Cher Ami es el segundo largometraje del estudio Acció tras su debut con 10 + 2: El gran secreto y cuenta las aventuras de un pajarito con vocación de héroe, una paloma con numerosos premios en competiciones acrobáticas y un ratón inventor que quiere volar. En la granja donde habitan reina la paz hasta que la guerra entre los humanos la salpica y un capitán del ejército de las palomas aterriza con el objetivo de reclutar algunas aves.

Pese a ser una película enfocada principalmente al público infantil, la trama está bien elaborada y contiene incluso conspiraciones y traiciones. Por su parte, la animación es principalmente 2D pero incluye fondos y algunas escenas en 3D. Estás escenas CG fueron desarrolladas en colaboración con Digital Dreams Films.

En resumen, otra muestra más de que, en España y, en este caso, en Cataluña, se puede hacer animación de calidad.

Sin embargo, pese a recibir una buenísima acogida tanto por los dos mil niños que la vieron en su estreno mundial en el reciente Festival de cine de San Sebastian como en el Festival de Sitges donde se pasó a otros mil niños, la película aun carece de distribución.

En el interesante coloquio que se improvisó tras la última de las proyecciones en Sitges con parte del equipo de Cher Ami, encabezados por el director Miquel Pujol, todos mostraron su satisfacción por el resultado obtenido tras cuatro años de trabajo, pero quisieron reivindicar el espacio que merece la animación en nuestro país. Incluso en el Festival de Sitges, donde hay una amplia e importante sección de cine animado, el pase de Cher Ami ha pasado casi desapercibido por la falta de promoción y por no formar parte de ninguna de las secciones del Festival.

Al margen de su reivindicación, tambien fue muy interesante conocer de primera mano algunos detalles de la elaboración de Cher Ami, en especial la dedicación y pasión que han puesto en su desarrollo llegando a estar dos años en pre-producción haciendo el guión, los story-boards y documentandose de la primera guerra mundial mientras buscaban la financiación necesaria para poner en marcha el proyecto.

Ayer tuvo lugar en Animadrid el momento culminante del homenaje a uno de los máximos exponentes del cine de animación en España, Cruz Delgado.

Tras haberle dedicado una amplia retrospectiva, una exposición muy interesante y el libro Don Quijote animado. El cine de animación de Cruz Delgado, ayer se proyectaron sus cortos Boxy, rey del K.O. y Molécula en órbita y el documental Cruz Delgado, un Quijote de la animación española.

El documental recorre la carrera de Cruz Delgado desde sus inicios hasta sus cuatro largometrajes Mágica aventura, El desván de la fantasía, Los viajes de Gulliver y Los cuatro músicos de Bremen, sin olvidar su trabajo más conocido, la serie de TV Don Quijote de la Mancha. Destaca, además, la perseverancia y pasión que ponía en sus proyectos, y que le ha hecho ganar el respeto y el cariño de todos los que le han trabajado con él.

Tras la proyección, se sucedieron los momentos emotivos: Una larga y merecida ovación con toda la sala en pie, las palabras de agradecimiento de un emocionado Cruz Delgado y una foto de familia con los numerosos colaboradores que asistieron al homenaje.

En resumen, un merecido homenaje a este gran creador de animación que con sus trabajos ha marcado la infancia de varías generaciones.

Dentro de las actividades paralelas que organiza Animadrid, destacan los desayunos que sirven de encuentro entre los aficionados a la animación y los profesionales de este medio invitados al festival. Ayer martes tuvo lugar el tercero de estos desayunos al que asistieron directores de México, país invitado a esta edición del Festival.

El encuentro contó con la presencia de René Castillo, autor de Hasta los huesos, José Angel García Moreno, director de Catrina Posada y la gran piedra, Luís Gabriel Vázquez Hernández, autor de Vitrubio, y Leopoldo Best, quien coordinó la primera retrospectiva de cine de animación mejicana en 2002 y que ha servido de base para la muestra presentada este año en Animadrid.

En un ambiente muy distendido, los cuatro invitados explicaron la situación actual del cine de animación en México donde, históricamente, han predominado los proyectos surgidos de manera puntual y sin apoyos de los entes públicos. Pese a que cortos como El héroe de Carlos Carrera o Hasta los huesos han obtenido importantes premios y reconocimiento internacional, es muy difícil obtener ayudas para la producción de cortos de animación.

Sin embargo, esta falta de medios se ha visto compensada por la capacidad de aprendizaje autodidacta y la pasión puesta en sus proyectos que han mostrado numerosos directores a la hora de contar sus propias historias. De esta manera, hubo un acuerdo general en que la necesidad de superar todos estos problemas provocaba que surgieran productos finales de una mayor calidad.

A modo de ejemplo, René Castillo explicó como en el desarrollo de Hasta los huesos debían esperar a tener un mes de trabajo (unos 200 pies de película) para poderlo enviar al estudio de revelado quien devolvía el resultado al cabo de 15 días. Era un momento muy emocionante cuando, por fin, podían ver las escenas rodada hacia más de un mes. Aunque, a menudo, descubrían que había que rehacer escenas por problemas de cámara. Esta manera de trabajar, les obligaba a planificar y preparar meticulosamente el rodaje de cada escena, lo que repercutía finalmente en la calidad de la animación.

Sin embargo, parece que, con la aparición de las nuevas tecnologías, esta minuciosidad y esa pasión necesarias se está perdiendo por la facilidad que existe hoy en día de rehacer una toma o de arreglar ciertos errores en post-producción. El consenso final fue que las nuevas herramientas digitales no son buenas o malas, lo importante es saber aprovecharlas conociendo sus posibilidades pero, sobretodo, teniendo unos buenos fundamentos de las técnicas básicas de animación y pasión por el trabajo que se realiza.

En resumen, el desayuno fue una oportunidad excepcional de conocer de primera mano los conocimientos y la experiencia de estos artistas la animación.

Por último, recoger la recomendación de la presentación del documental Quirino Cristiani: The mistery of the first animated movies sobre la figura del argentino Quirino Cristiani pionero de la animación, responsable de la primera película de animación de todos los tiempos, El apóstol, en 1917 y del primer largometraje sonoro de animación, Pelúdopolis, en 1931. Una ocasión única de descubrir los origenes del cine de animación que tendrá lugar el próximo viernes a las 6 de la tarde.

Entre el lunes y el miércoles, Animadrid ha dedicado 4 sesiones completas a los cortometrajes realizados en escuelas de animación de todo el mundo. Más de 60 trabajos que plasman muy diversas temáticas y muy variadas técnicas de animación.

Dentro del CG más actual, destacaron el barco con ruedas que cruza el desierto llevando a bordo un hombre y un pez luchan por la supervivencia en Marin (Marinero), el hombre que esconde un conejo gigante en su pequeño apartamento en Red rabbit (Conejo rojo), la supervivencia de dos hermanos en un mundo post-apocalíptico en Replay, la leyenda india en que el cielo estaba demasiado bajo para caminar erguido en Hugh, el ecosistema poblado de extrañas criaturas en Babau y las logradas mezclas de CG e imagen real en Jsem vetsi a lepsi (Soy mayor y mejor) y Camera obscura.

La animación más tradicional también goza de muy buena salud y prueba de ello son los problemas que surgen cuando tres ancianas encuentran unos calzoncillos en su colada en U’ sciroccu (Siroco), los recuerdos de un hombre tras la muerte de su amada en Rendez-vous mit einer toten (Cita con una muerta), las dificultades para ligar de un hombre con dos cabezas en Tete a tete, las peripecias de princesas de cuento nada habituales en Alergie y Der drachentoeter (El cazadragones) y las fantasias infantiles en Bertram y Turbanshell, cigarettebutt, egg roll (Caracol negro, colilla, rollito primavera).

Pero, además, hubo espacio para otras muchas técnicas, como el cutout en la despedida de una pareja al saber que él está a punto de morir en un accidente de tren en Rub out (Borrar) o el ingenio de un ratón para escapar de las garras de un león en La queue de la souris (La cola del ratón), el stop motion del elefantito que descubre que su padre cocodrilo esconde un gran secreto en Vimeinen elefantii (El último elefante), la pixilación en la observación de las divisiones de la sociedad plasmadas en una pizarra en La theorie des ensembles (Teoría de conjuntos) o la mezcla de numerosas técnicas sobre la costumbre de dejar las cosas a medias en Procrastination.

Por último, entre tantas obras de diversa temática, también destacaron numerosos cortos por su sentido del humor provocando carcajadas generales. A los ya mencionados, Alergie y U’ Sciroccu cabría añadir The bellringer (El campanero), Bibliomanía, Look around (Mira a tu alrededor) o Lavickari (Gente del banco del parque).

En resumen, Animadrid ha recopilado un destacable selección de trabajos que demuestran que el futuro de la animación está asegurado con las nuevas generaciones.

El Festival de Sitges ha anunciado recientemente que presentará Gake no ue no Ponyo, el último trabajo de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli.

La relación de Sitges con Miyazaki viene de lejos ya que ha proyectado prácticamente la totalidad de sus películas en ediciones anteriores, incluyendo las más recientes como La princesa Mononoke, El viaje de Chihiro y El castillo ambulante, y le dedicó incluso una amplia retrospectiva.

Noticias relacionadas: Trailer final de Gake no ue no Ponyo

Siguiendo con la competición internacional de largometrajes, Animadrid presentó ayer la coproducción hispano argentina Martín Fierro.

Pese a contar con parte de capital español, la producción de la película se ha llevado a cabo totalmente en Argentina bajo la dirección de Norman Ruiz y Liliana Romero. En Martín Fierro, también destaca la participación del ilustrador Roberto Fontanarrosa quien fue responsable del diseño de personajes y, desgraciadamente, falleció antes de que se acabará el film.

La historia, basada en un poema de José Hernández, es muy popular en Argentina y narra como Martín Fierro es obligado, contra su voluntad, a alistarse en el ejercito argentino para defender la frontera frente a los indios. La situación se hará insostenible y obligará a convertirse en renegado para defender lo que más valora, su libertad.

Tanto el diseño de personajes de rasgos marcados como la animación austera dan dramatismo a esta historia dura, más recomendable para adultos que para niños.

Tras la proyección de El lince perdido, Animadrid continuó su selección de largometrajes de la sección oficial con Idiots and angels, el último trabajo del siempre independiente Bill Plympton.

Idiots and angels narra como un hombre cruel y desalmado se despierta una mañana con unas alas de ángel en su espalda. A partir de ese circunstancia, se desatan una serie de situaciones marcadas por los peores vicios del ser humano: vanidad, avaricia, violencia…

La mirada de Plympton con su trazo a lápiz característico, sus planos exagerados y perspectivas imposibles plasma la metamorfosis interior y exterior del protagonista con escenas cargadas de imágenes crueles, viscerales y sexuales. Además, consigue trazar perfectamente la personalidad de los personajes sin usar diálogos y apoyándose únicamente en una banda sonora compuesta de canciones de Tom Waits, Pink Martini y Moby entre otros.

Finalmente, Idiots and angels es una muestra más de la capacidad creativa de Plympton para plasmar, en este caso, el eterno debate entre el bien y el mal.

Idiots and angels podrá volver a verse próximamente en el Festival de Sitges dentro de su sección Anima’t.

Noticias relacionadas: Sitges presentará Idiots and angels

Ayer en Animadrid tuvo lugar el estreno mundial de El lince perdido, el primer largometraje surgido de los estudios Kandor Graphics de Granada. Para presentar la película estuvo gran parte del equipo, encabezados por los directores Manuel Sicilia y Raúl García y el productor ejecutivo Manuel Cristobal.

El carácter de primicia de la proyección hizo que no pudiera verse la copia final en 35 mm, sino una versión en Betacam con el audio aun por pulir. Sin embargo, esto no fue impedimento para que los niños y adultos que asistieron al pase pudieran disfrutar de la película.

El lince perdido narra las peripecias de un grupo de animales que intentan escapar de un cazador despiadado a las ordenes de un millonario caprichoso. El líder del grupo es Felix, un lince un poco gafe, y le acompañan Beea, una cabra con ganas de aventura, Astarte, una hembra de halcón, Rupert, un topo padre de familia, y, sobretodo, Gus, un camaleón con problemas de camuflaje y tendencia a inventar conspiraciones.

La película se desarrolla según los patrones establecidos del cine de aventuras en que los personajes principales se ven lanzados a una misión en que deberán superarse a si mismos para derrotar al enemigo de turno. Además, El lince perdido construye su trama a partir de las motivaciones del millonario excéntrico donde tira de referentes como Parque jurásico y Doctor Dolittle. Sin embargo, el referente más apreciado por el público adulto fue el claro homenaje a El hombre y la tierra de Félix Rodríguez de la Fuente.

En resumen, El lince perdido es un trabajo digno y honesto para el debut de Kandor Graphics que, con un pequeño equipo de 40 personas, ha conseguido llevar a buen puerto este proyecto. La animación y la historia sufren un poco por el exceso de personajes y de localizaciones, todas ellas basadas en parques naturales andaluces, pero seguro que hará las delicias de muchos niños cuando se estrene en cines las próximas navidades.

Por último, cabe destacar los títulos de crédito finales de la película realizados por Monigote studios 2.0 y que sigue muy dignamente la tendencia popularizada por las grandes producciones de Pixar y Dreamworks de usar animación tradicional en los títulos de producciones en 3D.

Ademas, los titulos de credito acaban con el anuncio de la que será la siguiente película de Kandor Graphics y que llevará por título Goleor: La balanza y la espada.

Noticias relacionadas: Nuevo estudio de animación en España

Ayer domingo, tuvo lugar en Abycine, el Festival de cine de Albacete, el estreno en España de Peur(s) du noir / Fear(s) of the dark, un muy interesante ejercicio sobre las diferentes formas del miedo.

Peur(s) du noir es una película formada realizada por seis artistas de la ilustración, Blutch, Charles Burns, Marie Caillou, Pierre di Sciullo, Lorenzo Mattotti y Richard McGuire que han plasmado en animación sus particulares visiones del miedo en seis historias que se entremezclan en un universo visual en blanco y negro, sólo roto en una ocasión por el rojo de la sangre.

Las historias van desde el miedo a unos perros furiosos hasta el terror a los fantasmas del pasado en forma de guerrero samurai. Los diferentes fragmentos van mostrando, además, el universo creativo de cada uno de los autores que, pese a estar limitados en su paleta de colores, son capaces de crear estilos totalmente identificables.

En es aspecto cabe destacar los fragmentos de Charles Burns, Pierre di Sciullo y Richard McGuire que huyen incluso del uso del gris y se limitan al blanco y negro más puro. El trabajo de Pierre di Sciullo es el que hace de nexo de unión de la película intercalándose entre el resto de historias, plasmando en imágenes abstractas los miedos más íntimos del ser humano. Por otro lado, Richard McGuire cuenta en su historia el miedo a quedar encerrado en una casa habitada por espíritus aprovechando de forma magistral la potencia del negro más oscuro roto por siluetas en blanco sin apenas usar lineas para definir sus contornos. El resultado es una atmósfera oscura y agobiante.

Tras la proyección del film se dio paso a una interesante conferencia del crítico de cine Jordi Costa sobre la relación del cine con otras artes visuales como el cómic o la pintura e incluso la presencia del cine en los museos.

Comenzó repasando Peur(s) du noir y cómo retoma la tradición, con cierto auge en los años 80, de crear películas de terror formadas por diferentes historias. Siendo Creepshow de George A. Romero el ejemplo más significativo de este subgénero. Por otro lado, Peur(s) du noir también se nutre de otros intentos de llevar el mundo del cómic al cine de animación como son Heavy metal, Tigra, hielo y fuego de Ralph Bakshi o, en los inicios del cine, la adaptación de las historias de Crazy cat.

Desde ese punto de partida, Jordi planteó numerosos argumentos y preguntas sobre que define al cine, que define al arte, como se relacionan cine y arte y, sobretodo, si se puede considerar al cine como un arte. Sin embargo, pese a plantear tantos temas, prefirió finalizar su conferencia sin dar respuestas, dejando así el tema abierto a la reflexión de cada uno.

Por último, retomando Peur(s) du noir, cabe recordar que tambien podrá verse en el próximo Festival de Sitges, donde se proyectará en una única sesión dentro de su sección Seven chances.

Noticias relacionadas: Peur(s) du noir se estrenará en Abycine

La segunda jornada de Animadrid se centró en la competición oficial de cortometrajes, proyectando la primera mitad de los trabajos a concurso organizados en tres sesiones consecutivas.

La primera sesión reunió los cortometrajes recomendados para niños aunque no por eso menos interesantes. Entre los trabajos más destacables estuvieron Zayats-sluga (La liebre sirviente) y Medvezhii istorii (Historias de osos), ambos cortometrajes de origen ruso que narran historias tradicionales de dicho país. Tambien destacó el trabajo de animación con muñecos del uruguayo Walter Tournier en La canilla perfecta, curiosamente el único corto de esta sesión en el que los animales no ejercian un papel protagonista. Por útimo, cabe mencionar otra prodcucción rusa, Rybka (El pececito), en el que se descubre el mundo interior de una niña impactada por la muerte de un pececito.

Con la segunda sesión, los cortometrajes tomaron ya un tono más adulto con temáticas más poeticas en algunos casos y más dramáticas en otros. La proyección que arrancó más aplausos y risas fue, sin duda, This way up (Hacia arriba) de los británicos Smith & Foulkes del estudio Nexus que narran las peripecias de dos empleados de una funeraria para llevar un ataud a su destino final. En un registro menos cómico, aunque tambien despertara algunas risas, se situó Skhizein que, a traves de la historia de Henry un hombre que vive a 91 centimetros de sí mismo, nos hace recapacitar sobre la locura. Pero, sin duda, el trabajo que provoca más reflexión tras su visionado es Orgesticulasnismus que, en un crescendo espectacular, plantea la necesidad de reinventar el movimiento cuando se sufre una enfermedad que te priva de él. Para acabar, no conviene olvidar Cabaret Kadne el último trabajo de los españoles Marc Riba y Anna Solanas, autores de La Lupe i en Bruno y Violeta, la pescadora del mar negro.

Cerró la tarde, ya convertida en noche, una tercera sesión en la que pudo verse I met the walrus (Conocí a la morsa), uno de los nominados en la última edición de los Oscar, en la que John Raskin plasma en imagenes la entrevista que él mismo realizó a John Lennon cuando se coló en su habitación de hotel con sólo 14 años. Otro interesantisimo trabajo fue Kodomo no keijijógaku (La metafísica de un niño) en la que Koji Yamamura juega con inacabables visiones de la filosofia de los niños. Y, para cerrar el ciclo iniciado, con los cortometrajes protagonizados por animales de la primera sesión destacaron dos nueos ejemplos en este última sesión. En primer lugar, O güerepork (El hombre cerdo), corto en que su director, Sam, revisita en clave de humor el cine de terror como ya hiciera en su anterior trabajo El ataque de los Kriters asesinos. Por su parte, Big Buck Bunny (El gran conejo Buck), un proyecto creado totalmente con software open source que puede ser utilizado por quien lo desse gracias a su licencia creative commons, cuenta la batalla de un conejo grandullón y bonachón contra tres ardillas malvadas.

Para acabar, tras esta maraton de cortometrajes de casi seis horas, Animadrid invitó a todos los asistentes a una fiesta mexicana en la que pudieron degustarse nachos, guacamole, cervezas y margaritas.

En los próximos días cabe destacar los desayunos con directores que se celebran hoy domingo, lunes y martes en la cafetería de Teatro Mira y que permiten conocer de cerca su visión del mundo de la animación. En especial, resultará interesante conversar el lunes con el maestro de la animación con plastilina Will Vinton, que recibe este año un homenaje en Animadrid.