A los 67 años y con casi 3 décadas dirigiendo películas, Hayao Miyazaki no ha perdido nada de su magia y su último trabajo, Gake no ue no Ponyo es una muestra de su capacidad para fascinar por igual a pequeños y mayores.

Inspirada vagamente en la historia de la sirenita, Gake no ue no Ponyo narra como Sosuke, un niño de 5 años, encuentra a un pez de colores atrapado en una botella. Tras salvar al pececillo, le pone como nombre Ponyo y se establece entre ellos una relación de amor que desencadenará una serie de acontecimientos incontrolables.

Pero el gran merito de Miyazaki es conseguir que, aunque la trama pueda parecer sencilla, los 100 minutos pasen en un suspiro desde un un prodigioso inicio en que se presenta un fondo marino plagado de color y vida y que tiene su momento culminante con una espectacular tormenta. Todo ello realizado en animación tradicional sin usar herramientas CG.

Gake no ue no Ponyo es una película cargada de magia que tiene muchos elementos de otros films de Hayao Miyazaki siendo al mismo tiempo original y reconocible. Gake no ue no Ponyo es Miyazaki en estado puro.

Nina Paley ha necesitado 5 años de trabajo en su ordenador personal para animar y producir ella sola su primer largometraje Sita sings the blues.

La película adapta libremente el relato indio del Ramayana centrándose en Sita, esposa del príncipe Rama, quien es secuestrada y apartada de su marido. Paralelamente, se desarrolla la vida de la propia Nina, que ve como su marido es trasladado a trabajar a la India. De esta manera, Sita sings the blues se alimenta de las experiencias vitales de Nina Paley, mientras ella misma está influenciada por la lectura del Ramayana.

Sita sings the blues mezcla con éxito una gran variedad de estilos de animación, incluyendo el habitual aspecto de su tira cómica Nina’s Adventures, y todo sin que el conjunto pierda unidad.

En este sentido, destacan también, los diferentes números musicales con canciones de Annette Hanshaw, una estrella del Jazz de los año 20. Sorprende como las letras de las canciones encajan perfectamente con la historia de Sita.

Sita sings the blues es, en definitiva, un notable film, capaz de combinar perfectamente historias mitológicas indias, música de blues y el drama personal de su autora sin perder nunca el sentido del humor.

John Bergin publicó en 1994 el cómic From inside. Ahora, catorce años después, la adaptación de dicho cómic le sirve como base para su primer largometraje.

From inside narra el viaje de Cee, una mujer embarazada que viaja en un tren que recorre un paisaje desolado. No sabe como ha llegado hasta allí, ni hacia donde se dirige el tren. Pero, mientras el tren atraviesa mares de sangre, poblados abandonados y túneles inhóspitos, Cee irá recordando su pasado y planteándose si este mundo post-apocaliptico es un lugar adecuado para dar a luz.

En este contexto, John Bergin plasma el viaje con unas imágenes impactantes pero con una animación austera, casi inmóvil, y con la voz de Cee como único contrapunto.

From inside es una película que se debate entre la realidad y la pesadilla, entre la desesperación y la esperanza, entre la vida y la muerte. En ese sentido, decepcionará a los que esperen un prodigio de la animación y sólo es recomendable para los que busquen una historia contada desde el interior.

El Festival de Sitges ha llegado a su ecuador y, hasta este momento, ya han podido verse muchos trabajos de animación.

Se ha proyectado la esperada The sky crawlers, la última película de Mamoru Oshii, la acongojante Peur(s) du noir, con sus seis historias de terror en blanco y negro, la catalana Cher Ami, las aventuras de unas palomas mensajeras de la I Guerra Mundial, Evangelion 1.0 You are (not) alone, la nueva versión de una de las mayores series del anime japonés, Freedom, una espectacular OVA de 7 capítulos con Katsuhiro Otomo en tareas de diseño, Terra, una producción CGI de un pequeño estudio americano y From inside, el viaje post-apocalíptico creado en solitario por John Bergin.

Pero aún queda mucha más animación por disfrutar.

Mañana miércoles se completarán los cortometrajes a concurso con una segunda tanda de entre los que destacan los dos ganadores del reciente festival de Animadrid, Chainsaw de Dennis Tupicoff y Skhizein de Jeremy Clapin.

El jueves será el turno de otra serie de cortometrajes, esta vez de anime experimental y agrupados en el film Genius party. Una muestra de la capacidad creativa de la productora nipona Studio 4ºC.

La ultima obra del independiente y subversivo Bill Plympton, Idiots and angels, también galardonada en Animadrid, será la cita más destacada del viernes. Pero además, podrá verse la película que Electronic Arts ha creado en paralelo a su último videojuego, Dead space.

Y, para el sábado, último día del festival, Sitges se ha reservado dos de los largometrajes más esperados. Por un lado, el ganador de la última edición del prestigioso festival de Annecy, Sita sings the blues, la reinterpretación del relato indio del Ramayana realizado por Nina Paley.

Y, por otro lado, la más película más esperada, la revisión del cuento de la sirenita que el gran maestro de la animación Hayao Miyazaki ha creado en Gake no ue no Ponyo.

La animación sigue teniendo un papel importante en Sitges, con un programa que aún tiene preparadas citas imprescindibles para los amantes del cine animado.

Un mundo alternativo donde las guerras se han sustituido por combates aéreos retransmitidos por televisión es el contexto elegido por el director de Ghost in the shell, Mamoru Oshii, para su última película, The sky crawlers.

Los pilotos que participan en esta guerra televisada son los Kildren, adolescentes que no envejecen jamás y son inmortales a menos que caigan en combate. Sus vidas, marcadas por ese inevitable destino, parecen discurrir en una monotonía en la que pasado y presente se confunden y sólo se ven interrumpidas por las batallas en las que toman parte.

Esta situación, se traslada a la pantalla con unas escenas aéreas realizadas en una animación CG espectacular y realista que contrastan con las escenas en tierra con personajes dibujados con trazos redondeados y colores suaves.

Y es, a través de los personajes eternamente jovenes, cómo Mamoru Oshii le da al film un mensaje existencial y político planteando dilemas como si es posible que exista paz si no existe guerra.

Definitivamente, The sky crawlers es una película que deslumbra con sus combates en el aire pero que atrapa con su historia, convertida en una parábola de la sociedad actual.

Doce años después de que se estrenara la serie Neon Genesis Evangelion, su creador Hideaki Anno ha readaptado la historia para ser plasmada en cuatro películas que en conjunto se titularan Evangelion New Theatrical Release.

La primera entrega de la saga, Evangelion 1.0 You are (not) alone se estrenó en Japón el año pasado cosechando un gran éxito de taquilla y se ha proyectado por primera vez en nuestro país dentro de la sección Anima’t del Festival de Sitges.

La narración de Evangelion 1.0 corresponde con los seis primeros episodios de la serie original. Shinji Ikari, un chico de 14 años, llega a Tokio 3 donde es reclutado por su padre para pilotar el Evangelion Unidad Uno, el arma definitiva con forma de humanoide gigante. Evangelion es la única manera enfrentarse y derrotar a los Ángeles, seres gigantes dispuestos a destruir la ciudad.

Aunque está previsto que el argumento de esta nueva versión de Evangelion se vaya distanciando de la saga televisiva aportando nuevos personajes y situaciones, este primer film sigue con mucha fidelidad la historia de Neon Genesis Evangelion. Las diferencias son tan escasas que sólo los fervientes conocedores del original serán capaces de apreciar los nuevos elementos.

Esta similitud con el original provoca, además, que el ritmo del film sea algo irregular. La estructura de los episodios de la serie se mantiene en Evangelion 1.0 You are (not) alone cuando habría sido deseable que se adaptaran al nuevo formato cinematográfico.

Aún así, la sensación impactante del primer combate entre un Eva y un Ángel mantiene toda su fuerza y la trama, cargada de tintes metafísicos, sigue siendo igual de misteriosa.

En resumen, una buena oportunidad de recuperar Evangelion para los que ya la hubieran visto, de descubrirla para los que no la conocieran y, para todos, de ver a que final la llevará esta vez Hideaki Anno.

Katsuhiro Otomo, director de uno de los mayores referentes del anime como Akira, es el nombre más destacado de todos los que participan en Freedom, una OVA de 7 capítulos ambientada en una base lunar en el siglo XIII.

La serie, dirigida por el joven Shuei Morita, tiene el toque de Otomo en el diseño de personajes y de la maquinaria y eso se nota desde el primer capítulo protagonizado por unas carreras de motos en el más puro estilo de Akira.

A partir de ese inicio trepidante, la acción nos va descubriendo como la humanidad se ha recluido en la base lunar Eden después de que la Tierra quedará inhabitable. Sin embargo, tres jóvenes de 15 años, Takeru, Kazuma y Biz, descubrirán que quizá la Tierra no es tan inhóspita como el Consejo regulador de Eden les hace creer.

Con una muy lograda mezcla de animación 2D y 3D y una historia muy bien elaborada con un rico contexto histórico, lógico y filosófico, Freedom pudo ser disfrutada, en el Festival de Sitges, en una sesión continua de casi 3 horas y media que mantuvo el interés del público capítulo a capítulo.

Empezaron las proyecciones de la sección Anima’t del Festival de Sitges con Terra, película dirigida por Aristomenis Tsirbas y producida por su pequeño estudio independiente MeniThings Productions.

Terra narra como un planeta alienígena es atacado por los seres humanos en su desesperado intento de encontrar un planeta que habitar después de haber destruido la Tierra y haberse pasado varias generaciones vagando por el espacio. Los protagonistas de la aventura son un soldado humano y una habitante del planeta invadido que parecen ser los únicos en creer que es posible el entendimiento entre ambas especies.

Apoyada en un claro mensaje ecologista y pacifista, la trama de Terra no deja de ser bastante previsible y, en algunos momentos, poco consistente al usar explicaciones algo forzadas para justificar como ambas especies pueden comunicarse o como un humano puede sobrevivir en una atmósfera hostil.

Tampoco ayuda al desarrollo de la historia un diseño de personajes demasiado uniforme y que, a veces, hace difícil distinguir no sólo a los personajes alienigenas sino a los personajes humanos, demasiado iguales todos ellos.

En definitiva, una película familiar con alguna escena de combates aéreos bien realizada pero que debe verse sin demasiadas pretensiones.

Desgraciadamente la proyección contó con más público del que tuvo sólo unas horas antes la producción española Cher Ami. Quizá Terra se vio ayudada por ser una producción americana, por ser en CG o por estar en la sección oficial Anima’t y tener un horario más adecuado.

Para comenzar las proyecciones de animación en la edición de este año, el Festival de Sitges ha escogido la única de las producciones realizada en España, Cher Ami.

Cher Ami es el segundo largometraje del estudio Acció tras su debut con 10 + 2: El gran secreto y cuenta las aventuras de un pajarito con vocación de héroe, una paloma con numerosos premios en competiciones acrobáticas y un ratón inventor que quiere volar. En la granja donde habitan reina la paz hasta que la guerra entre los humanos la salpica y un capitán del ejército de las palomas aterriza con el objetivo de reclutar algunas aves.

Pese a ser una película enfocada principalmente al público infantil, la trama está bien elaborada y contiene incluso conspiraciones y traiciones. Por su parte, la animación es principalmente 2D pero incluye fondos y algunas escenas en 3D. Estás escenas CG fueron desarrolladas en colaboración con Digital Dreams Films.

En resumen, otra muestra más de que, en España y, en este caso, en Cataluña, se puede hacer animación de calidad.

Sin embargo, pese a recibir una buenísima acogida tanto por los dos mil niños que la vieron en su estreno mundial en el reciente Festival de cine de San Sebastian como en el Festival de Sitges donde se pasó a otros mil niños, la película aun carece de distribución.

En el interesante coloquio que se improvisó tras la última de las proyecciones en Sitges con parte del equipo de Cher Ami, encabezados por el director Miquel Pujol, todos mostraron su satisfacción por el resultado obtenido tras cuatro años de trabajo, pero quisieron reivindicar el espacio que merece la animación en nuestro país. Incluso en el Festival de Sitges, donde hay una amplia e importante sección de cine animado, el pase de Cher Ami ha pasado casi desapercibido por la falta de promoción y por no formar parte de ninguna de las secciones del Festival.

Al margen de su reivindicación, tambien fue muy interesante conocer de primera mano algunos detalles de la elaboración de Cher Ami, en especial la dedicación y pasión que han puesto en su desarrollo llegando a estar dos años en pre-producción haciendo el guión, los story-boards y documentandose de la primera guerra mundial mientras buscaban la financiación necesaria para poner en marcha el proyecto.

El Festival de Sitges ha anunciado recientemente que presentará Gake no ue no Ponyo, el último trabajo de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli.

La relación de Sitges con Miyazaki viene de lejos ya que ha proyectado prácticamente la totalidad de sus películas en ediciones anteriores, incluyendo las más recientes como La princesa Mononoke, El viaje de Chihiro y El castillo ambulante, y le dedicó incluso una amplia retrospectiva.

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